REALISATION
La pré-production du spectacle se fait à l'atelier, où se réunissent les maîtres de Ballets et la troupe des danseurs pour préparer les nouvelles chorégraphies.
Le côté technique de la pré-production se fait quelques heures avant le début de tous les spectacles, quand la régie se prépare, on installe des caméras sur pieds dans plusieurs endroits de la salle d'opéra pour avoir plusieurs plans de vue. C'est la partie dont je me suis occupé, mais en parallèle, bon nombre de techniciens lumière et son travaillent pour s'assurer que chaque projecteurs et enceintes marchent correctement.
L'aspect de la réalisation avec lequel j'ai le plus progressé est la partie technique, car pour la première fois, j'avais à réaliser des vidéos autres qu'à destination de Youtube. Avoir le choix du matériel technique que j'allais utiliser était nouveau, et comme j'allais le réaliser, primordial.
Voici une photo prise du boitier de contrôle sonore du Canon XA35 :
Il y a plusieurs manières de filmer un sujet. Voici une liste non-exhaustive des plans existants.
- Le plan d'ensemble : ce plan inclut l'ensemble du décor dans laquelle la scène se déroule. C'est le plan utilisé le plus souvent lors des scènes d'exposition. Ils peuvent également permettre de conclure le film.
- Le plan pied : le cadre est ici centré sur un personnage ou un groupe de personnages depuis les pied. Il est également appelé «plan moyen»
- Le plan italien : ce plan montre un personnage en s'arrêtant aux genoux
- Le plan américain : ce plan est un petit peu plus resserré que le plan italien puisqu'il s'arrête aux cuisses. C'est un plan fréquemment utilisé pour les dialogues
- Le plan taille : le cadre est cette fois au niveau de la ceinture, et permet de voir le jeu du personnage. C'est un plan plus «intime» puisqu'il permet de voir les visages et les réactions
- Le plan rapproché : ce plan est encore plus intime que le plan taille. Le spectateur ne peut cette fois rien voir de ce qui se passe autour du personnage
- Le gros plan : ce plan sert à entrer dans la psychologie du personnage puisque l'on se concentre sur une partie du personnage pour montrer ses émotions. Lorsque ce plan est utilisé sur un objet, on parle alors de «plan de détail» ou "insert".
- La plongée : ce type de prise de vue peut-être utiliser pour minimiser l'importance du sujet puisqu'elle provoque ce qu'on appelle un effet «d'écrasement». La plongée peut effet permettre de rendre un élément «plus petit»
- La contre-plongée : à l'inverse la vue en contre-plongée accentue l'importance du sujet. Pris d'en-dessous, l'élément apparaît «plus grand» qu'il ne l'est réellement
- Parallèle au sol : au contraire des deux précédentes, cette prise de vue sert à restituer fidèlement le point de vue du personnage
- Champ / Contre-champ : il s'agit d'un principe très simple dans le cinéma. Le «champ-contrechamp» est généralement utilisé pendant un dialogue et consiste à alterner les plans de chacun des deux protagonistes
Ces derniers se trouvent généralement face à face, mais peuvent aussi être placés de côté voire de dos.
Pour ce faire tracez mentalement une ligne reliant les deux personnages. Vos caméras devront alors toujours être placées du même côté de cette ligne, en plaçant chacun d'elle vers un des personnages selon un angle généralement compris entre 90 et 120 degrés.
Ce procédé permet de voir chacun des personnages toujours selon le même profil, et donc de ne pas donner l'impression que «les rôles sont inversés» Cette loi est communément appelée «loi des 180 degrés».
- Il s'agit d'un mouvement d'une caméra fixée sur un pied, de préférence. Toujours sur le même axe, l'objectif bouge verticalement ou horizontalement (panoramique), ou d'avant en arrière et réciproquement : travelling
- Pour commencer, une règle simple : ni zoom, ni mouvement de caméra : "Quand on filme on ne bouge pas, quand on bouge on ne filme pas"
- Choisir son cadrage et imaginer son plan avant de filmer, comme pour une photo
- Puis filmer en comptant le temps de 4 à 8s, selon l'intérêt. Ce sont les sujets mobiles qui bougent dans le cadre. L'idéal est d'avoir un pied. "Pour les paysages, en général, des plans fixes successifs sont préférables à des zooms"
Pour un « travelling » : il peut être fait avec une caméra fixe (arrière ou avant avec le zoom), ou en se déplaçant (si on a une barre de traveling et que l'on est assez stable dessus), - Pour un « panoramique » (de gauche à droite, en décrivant une ligne droite), faire un essai sans filmer pour cadrer et choisir le début et la fin.
Moments où je me suis adapté à la situation
Pour filmer les répétitions de nombreux danseurs dans une salle fermée.
Comment ? En choisissant l'appareil avec la plus grande valeur d'angle à ma disposition.
Lorsque j'ai commencé à filmer aux ballets, j'avais en face de la caméra quelques danseurs, généralement autour de quatre.
Quatre personnes en train de danser sont assez simples à garder dans le cadre, même avec leurs déplacements.
Mais lorsque je me suis retrouvé dans une salle encore plus petite, avec dix fois plus de danseurs, pour ne pas avoir à m'inquiéter constamment des danseurs qui sortiraient du cadre, j'ai pris le Sony α7S (avec un objectif Sony DT 18-135 mm) ce qui donnait à la vidéo une valeur d'angle ressemblant à un léger fisheye.
Je devais parfois zoomer et tourner la bague de mise au point en même temps, ce qui peut s'averer très difficile. Heureusement, le Sony α7S utilise une technique de signaux visuels jaunes sur l'écran de l'appareil, ce qui facilite grandement la vitesse de la mise au point manuelle.
En filmant une interview
Comment ? En prenant un trépied et une caméra télévisuelle avec un bon micro intégré.
Mais plutôt que d'utiliser l'énorme trépied sur lequel est généralement utilisé le HXR-NX5E, j'ai pris un trépied plus petit, afin de pouvoir me déplacer facilement pour suivre l'action.
C'est à peine si j'installais le trépied, je le posais souvent quelques dizaines de secondes, puis je changeant de point de vue. La question pour moi n'était pas tant que ça le contenu de leurs échanges que comment montrer ces échanges.
Cas pratique : les normes de l'esthétiques
Rencontre entre deux représentants des Ballets de Monte Carlo (Jean-Christophe MAILLOT, Directeur-Choregraphe & Nick VAN DER HEYDEN, Directeur Technique) et une dizaines d'élèves de la VIlla Bosio de Monaco. Exemples de changements de valeur de plans en fonctions des directions de la discussion.